El gran Lebowski

El gran Lebowski, película de culto realizada en 1998 por Joel e Ethan Coen.

Rebecca

En 1940 Rebecca película de Alfred Hitchcock, consiguió el premio de la Academia a la mejor película

John Grisham, el abogado que quiso ser escritor

John Grisham, antiguo abogado estadounidense decidió dejar las Salas de Juicios para convertirse en escritor de novelas.

Hansel y Gretel: cazadores de brujas

Hansel y Gretel, nueva entrega, de acción y emoción, de la moda de versiones de cuantos clásicos.

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viernes, 10 de abril de 2015

CRÍTICA: LA CASA DEL TEJADO ROJO



La casa del tejado rojo es la última delicia del director Yoji Yamada . Nos encontramos ante una película sobre amor, el paso del tiempo y  sobre las decisiones no tomadas, todo enmarcado en el Japón previo a la Segunda Guerra Mundial. El film cuenta la historia de Taki (Chieko Baisho),  una anciana que con la ayuda de su sobrino  escribe su autobiografía, remontándose al año en el que dejó su aldea para trabajar como criada en Tokyo, con apenas  18 años. Son las palabras de la anciana escritas a lápiz en un cuaderno las que nos llevan a esos primeros momentos en la casa del tejado rojo donde trabajó  para el señor y la señora Hirai (Takataro Kataoka y Takako Matsu) . Taki recuerda con cariño esos años cuidando del hijo de la pareja, y narra cómo todo cambia cuando la señora Hirai se ve atraída por Itakura (Hidetaka Yoshioka), compañero de trabajo de su marido. Con esta premisa el director nos lleva por la historia saltando desde los años 30 al siglo XXI, mostrando las diferencias entre  la educación y las relaciones sociales de los dos tiempos.

Esta delicada historia de amor se desarrolla de una manera pausada, como dedicándole el tiempo y las escenas necesarias para hacernos comprender el romance. Acostumbrados a las rápidas y trepidantes historias de química y amor de occidente es un gusto poder ser testigos de una cuidado total de los planos, las luces y los colores del film. El elenco de actores, algunos de los  cuales ya protagonizaban “Una familia de Tokyo”, logran en esta película una sobresaliente interpretación, destacando a Haru Kuroki  que ha obtenido el galardón a mejor actriz en el Festival de Berlín por su interpretación como la joven Taki. La estética se cuida hasta el más mínimo detalle, con la presentación de los platos que Taki cocina para su sobrino, creando un paralelismo con la misma comida que preparaba en el pasado.  

A lo largo de la película se van reflejando los preámbulos de la guerra a través de una familia acomodada de Tokyo, que muy difícilmente podemos ver en las películas. La música de Joe Hisaishi, que también trabajó con Yamada en “Una familia de Tokyo”, aporta en el film una banda sonora más orquestal, con motivos que se alejan de su estilo marcado en las películas del Studio Ghibli.
Si algo rompe con el ritmo pausado de la narración de la historia es su precipitado final, donde se acumulan los acontecimientos demasiado rápido, dejando al espectador con el deseo de haber disfrutado más de su desenlace.

Esta película se ofrece en cartelera como una alternativa a los demás films actuales, invitándonos a detenernos y a observar de cerca esta cuidada historia de amor a través del tiempo.

domingo, 19 de octubre de 2014

CÓMO DIBUJAR A MICKEY

Master-Class a niños de 4º de primaria del profesional Disney Fabrizio Petrossi, de los pocos artistas autorizados en el mundo a dibujar al ratón Mickey.

viernes, 29 de noviembre de 2013

CRÍTICA: EL CONSEJERO

 
Por MARCOS RODRÍGUEZ
 
 

Un extraño sentimiento queda al terminar de ver El Consejero, de mi querido Ridley Scott.

Se me ve el plumero nada más comenzar, pero es que la mayoría de comentarios van en contra del director británico y a favor del escritor, Cormac McCarthy. Pues bien, si la película no entretiene es porque el libreto tampoco lo hace; básicamente partimos de un guión que funciona leyéndolo pero cuya adaptación a la pantalla resulta inevitablemente aburrida y complicada de ver y entender. Considero que no se podía haber mostrado mejor en imágenes todo lo que sucede en la trama, teniendo en cuenta que estamos ante un cruce de relaciones entre personajes del mundo del crimen, temática nada novedosa, por cierto. Quizás sí podían haberse extendido más en momentos curiosos del guión que no aparecen en la película, como el paseíllo que se marcan los leopardos por el extrarradio. Pero bueno, es algo anecdótico; tan anecdótico como la película en sí.

Al comenzar me refería a que es un visionado extraño porque la película está bien hecha y tiene imágenes poderosas (qué menos), pero al fin y al cabo no te aporta nada ni antes ni después de verla, porque tal y como está el mundo actualmente lo que menos apetece es quedarse dos horas escuchando cómo una panda de asesinos te dan discursitos moralistas. De hecho, estos discursos pretenden ser sutiles a través de diálogo encriptado típico de mafiosos y no hacen más que anticipar toda la acción que acontece sin sorpresa alguna.

Considero que estamos ante un “problema” de guión y no de director o actores, que están todos muy correctos (no tiene sentido criticar a Penélope Cruz en esta película). La gueparda Cameron Díaz destaca por encima como protagonista femenina, casi símbolo de esa ambigüedad e hipocresía que se contagia entre aquellos que se acercan al entorno criminal.
 
 
Dejando a un lado la ficha técnica y artística y volviendo a la experiencia cinematográfica en sí, que es lo que importa, queda una película con todos los defectos comentados antes pero con una gran virtud: la posibilidad de conocer a fondo cómo viven y piensan estos pobres diablos, un tipo de personajes que históricamente han tenido un peso brutal en el cine.

 




jueves, 21 de noviembre de 2013

CRÍTICA: DE TAL PADRE, TAL HIJO


DE TAL PADRE, TAL HIJO


Por María Campo



¿Qué es lo que determina la paternidad? ¿Es el material genético o la relación y el contacto diario? ¿En qué momento un padre comienza a serlo? ¿Cómo deberíamos educar a nuestros hijos? Estas son algunas de las preguntas que plantea Hirokazu Koreeda en DE TAL PADRE, TAL HIJO. El aclamado director de cintas como “Maborosi”, “After Life”, “Nadie Sabe” y “Caminando”, regresa a la gran pantalla con uno de sus géneros predilectos, el drama.


“De tal padre, tal hijo” nos hace testigos de una situación límite. Dos parejas, cuyos hijos fueron intercambiados al nacer, tendrán que enfrentarse al mayor dilema de sus vidas: elegir los lazos de sangre o valorar la convivencia.

Koreeda se sirve de dos familias diametralmente opuestas para profundizar en otro tipo de cuestiones como son la educación y el amor.

Angustia, tristeza, dudas morales e interrogantes que se exponen con serenidad, intentando evitar en todo momento el  sentimentalismo trivial y sin esfuerzo.  Hirozaku sabe ser comedido para narrar una historia tan humana con altas dosis de buen gusto y estilo. Explora lentamente las relaciones entre padres e hijos haciendo cómplice al espectador.

En cuanto a los actores, destaca el trabajo  de  Masaharu Fukuyama, que consigue expresar con maestría la evolución que experimenta su personaje. Además, será él el encargado de protagonizar  las escenas más duras pero, también, las más conmovedoras de la película. Y si hablamos de méritos, es justo halagar tanto la dirección como la interpretación de los más pequeños, pues nos logran trasmitir el desconcierto que sufren en un mundo donde las decisiones de los mayores son las que importan.

En definitiva, una deliciosa película que nos hace sentir y pensar. Enhorabuena, señor Hirozaku, lo ha vuelto a conseguir.Y a ustedes: no dejen de ir a verla. Acomódense en sus butacas y disfruten la experiencia. Serán dos horas muy bien invertidas.




Estreno en cines el próximo 29 de noviembre.

sábado, 19 de octubre de 2013

ENCUENTRO CON DAVID LYNCH

Por Marcos Rodríguez

Encuentro con el multifacético cineasta David Lynch en el Museo Reina Sofía el día 15 de octubre de 2013. Conferencia "Meditación, Conciencia y Creatividad" sobre cómo la meditación trascendental le ha ayudado a conseguir sus ideas y también a alcanzar un determinado estado de felicidad.


 
  
 


lunes, 14 de octubre de 2013

CRÍTICA: CAPITÁN PHILLIPS

Por MARCOS RODRÍGUEZ
 
© 2013 Columbia Pictures Industries
 

Tensión.

Tensión es la palabra que mejor define Capitán Phillips.
 
Una agotadora experiencia que te sumerge de lleno en el terrible suceso que sufrió Richard Phillips en 2009, cuando unos piratas somalíes abordaron su buque “Maersk Alabama”.
La película es perfecta para refrescarle esta historia al espectador bajo la trabajada dirección de Paul Greengrass, que consigue que también nos quedemos atrapados en el barco. Puede que se llegue a hablar de película de acción, pero lo que el director nos ofrece es un intenso thriller. Es más, creo que debería estudiarse como buen ejemplo de este género cinematográfico.

© 2013 Columbia Pictures Industries
 
Tom Hanks recrea uno de los personajes con más fuerza e interés de su carrera. Esta vez cambia su cara cansina por una cansada, un rostro totalmente exhausto fruto de la extrema situación que le ha tocado sufrir. Al igual que él, llega un punto en el que necesitamos salir a la cubierta para tomar aire, necesitamos escapar del ambiente claustrofóbico que nos ahoga a pesar de estar rodeados de un espacio tan gigante como es el océano. Phillips está aterrorizado, pero conserva su fortaleza en todo momento, presentándose como un modelo a seguir y demostrando así el aguante del ser humano.
 
Pero Hanks no es el protagonista absoluto. El debutante Barkhad Abdi se convierte en el otro peso pesado con su interpretación del desquiciado líder de los piratas.
No podían haber elegido un rostro más creepy para el malo de la historia. Es un personaje tan bien conseguido que por momentos piensas que un pirata de verdad se coló en el rodaje y secuestró al equipo de la película.
A lo largo de la cinta vas conociendo mejor su manera de pensar y actuar. Pasas de verle como un sádico a sentir algo de empatía y entender que en el fondo para él es como un juego de niños, no le importa lo que pueda pasar porque no tiene mucho que perder.

© 2013 Columbia Pictures Industries

Cada escena en la que los piratas se enfrentan a la tripulación equivale a un momento de sudoración máxima, sobre todo por esa irracionalidad total que debe experimentarse en los secuestros, en los que en cuestión de segundos puede pasar lo peor. Ver Capitán Phillips es ver una película con una granada en la entrepierna.

Y el olor, el olor… Casi puedes oler el entorno de la película. Sudor, gasolina, humedad. Hacía tiempo que una película no despertaba tanto mis sentidos. El calor asfixiante es otra característica que el espectador puede llegar a sufrir. De hecho, toda esta presión es la que puede contagiarte de esa prepotencia americana que, fruto del miedo, te hace querer tirar por la borda a los piratas de la peor manera posible.
En definitiva es para lo que deberían servir algunas películas: provocarte vivencias que no has experimentado (por fortuna, en este caso). Comparable en este sentido a la increíble Gravity, creo pasará mucho tiempo hasta que volvamos a sentir tan intensamente una película.

Id a verla y sufrid con gusto.

 

       
 

 

viernes, 11 de octubre de 2013

ESTRENOS Semana del 11-13 de Octubre

Comenzamos con el film de la semana, El Mayordomo.
Esta película protagonizada por Forest Whitaker y dirigida por Lee Daniels nos descubre la visión del mayordomo de la Casa Blanca durante el mandato de 8 presidentes. Con un gran reparto que incluye a Oprah Winfrey o Robin Williams, esta película se alza entre las favoritas para llevarse un Óscar.

Dentro el cine español, se estrena Caníbal.
Manuel Martín Cuenca nos propone una película basada en la vida de un sastre de Granada que se alimenta, no de cualquier comida, sino de la carne de mujeres desconocidas.  La trama se enreda cuando conoce a Nina, una mujer que busca a su hermana desaparecida. Como curiosidad, la película fue premiada a la Mejor Fotografía en el festival de San Sebastián.

Desde Estados Unidos nos llega: Ladrones de Fama.
Como todos sabemos, Los Ángeles concentra una gran cantidad de famosos, haciendo que el grupo protagonista, liderado por Emma Watson e Israel Broussand, decidan robarles en sus casas. La película ha sido dirigida por Sofía Cappola, hija del 7 veces oscarizado, Francis Ford Cappola.

Para los amantes del Thriller, llega a las pantallas: Prisioneros.
Hugh Jackman se mete en la piel de Keller Dover, un padre que ha visto como ha desaparecido su hija junto con una amiga. Agobiado por la lentitud de la policía y el aumento de su pánico, decide que la salvación de su hija se encuentra en sus manos.

Por último, desde Israel aparece,  A pie de página.

Dos profesores nos descubren su gran rivalidad, con un defecto, son padre e hijo. La trama llega cuando el padre es erróneamente premiado, haciendo debatir a su hijo entre su honor o su familia. El film llega a España tras 2 años de viajes, donde ha sido nominada al Óscar a la Mjor Película de Habla No Inglesa.

No se os olvide comprar o llevaros las palomitas y disfrutar de un buen estreno de esta semana. Hasta la próxima semana ;)

sábado, 5 de octubre de 2013

CRÍTICA: LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI


Por GUILLER VERDÍN

Álex de la Iglesia ha vuelto. Esa es la primera conclusión que se saca tras el divertidísimo visionado de Las Brujas de Zugarramurdi. El de la Iglesia de El día de la bestia, el de la Iglesia de La Comunidad, ese que se había ido con Crimen Ferpecto y que se había asomado con La chispa de la vida o Balada triste de trompeta. Álex de la Iglesia ha vuelto y eso es noticia.
LBDZ es entretenida y graciosa desde el principio hasta el final. Empieza muy fuerte pero nos deja descansar para terminar con ese conjunto tan propio del director bilbaíno del terror y el humor. Es, hasta ahora, la mejor producción de Enrique Cerezo que he visto, algo no muy difícil.
Carmen Maura en su sitio, una actriz que, como es habitual, levanta personajes pobres como este de Álex de la Iglesia, mucho más que otros que, para algunos, son más ricos como los que le escribe Pedro Almodóvar. Terele Pávez es por fin la bruja que siempre pareció interpretar. Y Carolina Bang, la tercera generación de brujas no es exactamente la tercera generación de grandes actrices. Es la debilidad de Álex, su musa. LBDZ es una película hecha totalmente para Carolina Bang que luce todos sus encantos y virtudes, aunque (y esto es positivo) no es una película cargada de escenas de fuerte contenido sexual ni rijoso como algunas películas de de la Iglesia.
En el lado de los hombres de esta historia de lucha de sexos premia el temor y simpleza que choca con la seguridad e inteligencia de las féminas, las mujeres, las brujas. Eso en el plano del guion, en las interpretaciones: sorpresas. Sorpresas en forma de Mario Casas haciendo un papel decente, está donde tiene que estar. Hugo Silva también bien situado como padre de un nuevo niño notable del cine español. No me extrañaría que nominaran a Gabriel Delgado al Goya al actor revelación. Son los buques insignia de un gran reparto que cierran Santiago Segura y Carlos Areces en unas geniales brujas, señoras y vascas.
Álex de la Iglesia se autohomenajea en esta historia de brujas navarras con mezclas de elementos celtas e íberos que da la vuelta al clásico de las brujas en la hoguera. Visualmente muy cuidada, con gran ritmo y emoción redondean una película de por sí redonda. LBDZ es ya una de las grandes películas de Álex de la Iglesia pero no quedará para la historia del cine patrio como si lo pudo hacer La Comunidad.

Un 8,5 ó 9 sobre 10

jueves, 26 de septiembre de 2013

"Cómo hacer que la ficción aburra más que la realidad" CRÍTICA: RUSH (2013)




Por GUILLER VERDÍN

(VA CON SPOILER, PERO YA VENÍA CON UNO LA PELI: ESTÁ BASADA EN HECHOS REALES)
La chulería y prepotencia de los pilotos de Fórmula 1 no son nada nuevo. Como tampoco lo son los fiestones que se montan o  la habilidad que tienen para derrochar dinero. Pero a todo esto Ron Howard, conocido por llevar al cine un par de novelas de Dan Brown y, mucho antes, por grandes cintas como Cocoon o Llamaradas, le ha hecho una película.
                La cosa pintaba genial, dos de mis grandes pasiones, cine y Fórmula 1 juntas. No podría salir mal. Pero salió. Howard pretendió una peli para amantes de la F1 sin apenas F1. El poco automovilismo que pudimos ver fue la recreaciones de accidentes y otros momentos célebres, que acto seguido era repetidos en algún televisor con imágenes históricas del momento.
                Una reproducciones calcadas y asombrosamente bien hechas, así como las reconstrucciones de míticos circuitos como ese fugaz  Mónaco de los 70 o el coloso y mortal Nürburgring que llenaron escasos minutos de la película. Un filme donde primaban las complicadas relaciones sociales de Niki Lauda y las numerosas y explícitas relaciones sexuales de James Hunt.
                Y cuando por fin hay Fórmula 1, el espectador encuentra menos espectáculo que si la ve por la tele. Lo que dice mucho de los pilotos de ahora, o muy poco de los realizadores de la película. Pero Howard no quiere con RUSH contarnos una serie de carreras, sino lo que sienten los corredores.
                Con el tiempo veo la película de forma más clara, pese al desacertado filtro ‘retro’ que eligieron para ella. Es una historia de superación donde hay un “bueno” que no es tan bueno, y un “malo” que no es tan malo. El “bueno” tiene una complicación que supera y eso hace que el “malo” le coja cariño y se hagan todo lo amigos que dos pilotos de F1 pueden ser. Un argumento, por tanto no muy original, independientemente de que esté basada en hechos reales.
                A todo esto, Daniel Brühl hace un gran papel, algo forzado al principio pero va cogiendo soltura a medida que su personaje gana carreras hasta el punto de poder, en ocasiones, ver a Lauda ante la pantalla. Y Thor sin su martillo (Chris Hemsworth) sorprende gratamente pero sin ahondar en la profundidad de un James Hunt vividor y, en ocasiones, perturbado.
                 La música de Hans Zimmer, pero como si sólo pasara por allí.
6,5 sobre 10

jueves, 19 de septiembre de 2013

RIDDICK

POR JOAQUÍN RODRÍGUEZ


Vin Diesel saltó al estrellato gracias a 'Pitch Black'. En aquella película, el actor encarnaba a un asesino oscuro y misterioso que ayudaba a los supervivientes de un vuelo espacial accidentado en un planeta aparentemente desierto. Trece años después, se estrena 'Riddick', tercera entrega de la saga basada en este personaje, y que pese a las expectativas levantadas por los tráilers publicitarios, decepciona por su falta de inventiva.

La historia es sorprendentemente parecida a la primera película, en la que hay cazarrecompensas galácticos, un antihéroe y peligrosos monstruos. La similitud de escenas, como el Riddick encadenado y desafiante frente a sus captores, y el parecido entre las luchas cuerpo a cuerpo del poderoso furiano contra monstruos de muy mal aspecto, son algunos de los puntos débiles de la cinta, por repetitivos.


Otro fallo clamoroso es el hilarante papel del cazarrecompensas Santana, que pasa rápidamente de ser un cruel villano que quiere "llevarse la cabeza de Riddick en una caja de cristal", hasta convertirse en un personaje lastimero, cobarde y sin hechuras de malvado; flaco favor del guión para la carrera del actor español Jordi Mollá. En el plano femenino, la trama pierde la oportunidad de una compañera de viaje para el fugitivo de ojos grises. Nada más empezar el film, muere una prisionera de Santana que hubiera dado color a la cinta. El resto de papeles son irrelevantes, muestra de ello son los insustanciales diálogos de otros cazarrecompensas, entre ellos los personajes interpretados por Katee Sackhoff, de Matthew Nable y del conocido luchador de wrestling 'Batista'.

Sin embargo, no todo es malo, los efectos especiales destacan al recrear un planeta desierto, donde se desarrolla este Western Galáctico. También sobresalen los movimientos de las especies alienígenas de este yermo páramo, como el 'perro' de nuestro héroe, que protagoniza los mejores momentos del film, y la suerte de 'Aliens' con cola de escorpión, que atemorizan a los personajes. En la primera parte de la cinta, Riddick saca su lado salvaje para sobrevivir en un lugar plagado de peligros, como si fuese un Robinson Crusoe más moderno y violento.


La trama es simple y efectiva, héroe imbatible, monstruos y villanos. Una combinación que hace disfrutar del cine de ciencia ficción, pero que pierde la ocasión de mostrarnos más sobre el mundo de Riddick: Su vida en el Planeta Furia o por qué sus ojos pueden ver en la oscuridad. Además, se pierde así la oportunidad de continuar la historia de Riddick al frente de los despiadados Necróferos, en la que la diversidad de mundos por conquistar y la particular filosofía del "eres dueño de lo que matas", daría mucho que hablar.




Nota final: 6.

Publicado por Joaquín Rodríguez el 19 de septiembre de 2013.